И.Е.Репин (1844—1930)
«Запорожцы пишут письмо турецкому султану»
Лето 1878 года Илья Ефимович Репин проводил в подмосковной усадьбе Абрамцево, в доме известного мецената С. И. Мамонтова. Свободно и непринужденно чувствовали себя здесь художники. Радушный и гостеприимный хозяин, сам живший интересами искусства, превратил бывшую аксаковскую усадьбу в своеобразный художественный центр, в котором всегда царило творческое оживление.
В. В. Стасов высоко оценивал абрамцевский художественный кружок. Он писал:
«… Дружеские собрания, художественные беседы, чтения книг и журнальных статей, интересовавших всех членов этого молодого, талантливого общества, все настраивало новых художников на творения важные и оригинальные, все устремляло вперед и окружало их атмосферою самою счастливою».
Как-то за чайным столом на одном из таких дружеских собраний Репин услышал прочитанное кем-то из гостей письмо запорожцев к турецкому султану.
История этого письма такова.
В 1675 году турецкий султан Мухамед IV предъявил запорожцам нечто вроде ультиматума и, величая себя «братом солнца и луны, наместником божиим, владетелем всех царств, царем над царями, непобедимым рыцарем, надеждой мусульман, защитником христиан», предлагал казакам покориться и перейти в турецкое подданство.
На это предложение запорожцы ответили ему по-своему — без дипломатических околичностей, убедительно и колоритно, не стесняясь в выборе выражений.
Полный текст этого сочного, красочного послания невоспроизводим в печати (в прочем, его исходный текст встречается в Интернете).
«Не годен ты будешь сынов христианских под собой иметь; твоего войска мы не боимся, землею и водою будем биться с тобой»,
— ответили султану запорожцы, присовокупив к своему ответу изощренные оскорбительные прозвища, пародирующие высокопарный титул султана. Письмо заканчивалось такой припиской:
«Числа не знаем, бо календарей не маем, мисяць у неби, год у книзи, а день такий у нас як и у вас, поцилуй за те ось куды нас, тай убирайся вид нас, бо будемо лупити вас!»
Сочный народный юмор запорожского послания пришелся по вкусу Репину, все свое детство проведшему на Украине, много слышавшему и раньше об удали свободолюбивых запорожских казаков.
Запорожская вольница олицетворяла собой в глазах художника образ жизнерадостного, непокоренного народа.
Казацкое красноречие восхитило Репина, пробудило в нем страстное желание запечатлеть на полотне в живых и полнокровных образах тех народных героев, которые прославили некогда свободолюбивую Запорожскую Сечь. Тогда же, в Абрамцеве, он сделал первый карандашный эскиз, который во многом определил композицию будущей знаменитой картины. А затем началась длительная пора собирания многочисленных материалов, без которых задуманная картина не могла бы засверкать неподдельной красотой убедительной исторической правды.
Однако вплотную приняться за работу над новым произведением Репин смог далеко не сразу.
Летом 1880 года он совершает со своим любимым учеником, пятнадцатилетним Валентином Серовым, увлекательное путешествие на днепровские пороги, в те самые места, где некогда была Запорожская Сечь, и пишет там много акварельных этюдов, зарисовывает пейзажи и исторические памятники. Из этой поездки он привозит несколько альбомов, испещренных зарисовками оружия, костюмов, посуды.
Но одной ознакомительной поездки было явно недостаточно. Много позднее, в 1888 году, Репин едет на Кавказ и на Кубань, где с упоением пишет потомков переселившихся сюда с Днепра запорожцев.
Бывая в деревнях Запорожья, Репин жадно слушал красноречивые рассказы местных жителей про дедов-сечевиков. Как кропотливый исследователь, он тщательно изучал всевозможные материалы о прошлом запорожцев, их историю, быт, памятники материальной культуры. Драгоценные советы давал ему известный украинский историк, знаток старого Запорожья Д. И. Эварницкий, охотно предоставивший в распоряжение художника свою богатую коллекцию предметов запорожской старины. Обладая большим дарованием рассказчика и’ бытописателя, Эварницкий живо и ярко воскрешал в своих книгах сцены запорожского быта.
«Когда-то здесь (в Чертомлыцкой Сечи), — писал он,— кишела жизнь, и какая жизнь! Жизнь во всем просторе, во всем широком разгуле: тут и бандуры звенели, тут и песни разливались, тут же и лихие танцоры кружились таким вихрем, от которого пыль поднималась столбом, воздух стонал стоном, земля звенела звоном».
Общение с Эварницким, горячо увлеченным новым замыслом художника, дало Репину много ценнейшего материала.
В октябре 1880 года, после возвращения Репина из Запорожья, когда работа над картиной уже началась, мастерскую художника посетил Лев Николаевич Толстой, который, как рассказывал сам Репин, «подсказал много хороших и очень пластических деталей первой важности, живых и характерных подробностей. Видно было тут мастера исторических дел. Я готов был расцеловать его за эти намеки».
Еще до поездки в Запорожье, в 1879 году, Репин приступил к работе над первым эскизом картины, сейчас находящимся в Государственной Третьяковской галерее. В этом эскизе, еще далеком от завершения, мало детализированном, уже был найден живописный и композиционный строй картины. Но все же это только эскиз. Группа запорожцев, многие из которых перешли затем в картину, взята фрагментарно, на фоне сверкающей глади воды.
Тема решена в бытовом плане с юмористической окраской. Репин сознательно добивался свежести письма, красочной выразительности, экспрессии. Он всегда ценил эту работу, считая, что в ней с большой цельностью выразился его замысел. И даже когда сама картина была уже закончена, он, предлагая эскиз П. М. Третьякову, отмечал, что «эта первоначальная композиция все еще конкурирует с моей картиной своей цельностью, жизнью и экспрессиями».
Полнозвучное, красочное восприятие мира присуще и многим этюдам, сделанным художником в Запорожье, и его небольшим картинам «По следу» и «Казак в степи», представлявшим собой как бы ответвления от основной темы. Переходя в дальнейшем от эскиза к картине, Репин пишет ее первый вариант, принадлежащий ныне Харьковскому государственному музею изобразительных искусств. Это — значительный этап в работе над «Запорожцами», намечающий переход к эпическому, монументальному решению темы. Работая над «Запорожцами», Репин одновременно задумывал и завершал другие свои выдающиеся произведения: «Царевна Софья» (1879), «Крестный ход в Курской губернии» (1883), «Не ждали» (1884), «Иван Грозный и сын его Иван» (1885).
Но, отвлекаясь то и дело другими работами, он неизменно вновь и вновь возвращался к «Запорожцам». Его волновала героическая тема, смелость и свободолюбие «запорожских рыцарей», их яркая, подлинно народная типичность.
«Ну и народец же!— писал он В. В. Стасову.— Где тут писать, голова кругом идет от их гаму и шуму… Я совершенно нечаянно отвернул холст и не утерпел, взялся за палитру и вот недели две с половиной без отдыха живу с ними, нельзя расстаться — веселый народ… Недаром про них Гоголь писал, все это правда! Чертовский народ! Никто на всем свете не чувствовал так глубоко свободы, равенства и братства!»
Об увлечении Репина картиной пишет и его дочь Вера:
«Почти каждый день папа читал вслух о запорожцах по-малорусски в стихах… и рассказывал о Сечи… Мы уже знали постепенно всех героев: атамана Серко с седым усом… казака Голоту — «не боится ни огня, ни меча, ни болота»… Тараса Бульбу с Остапом, Андреем и кузнеца Вакулу.
Моему маленькому брату Юре выбрили голову и оставили чуб; на круглой голове его сначала висел маленький, а потом вился длинный «оселедец», который он заматывал за ухо. И костюм ему сшили желтый жупан с откидными рукавами, когда крестный его Мурашко привез ему малороссийскую рубашку и шаровары. Жупан ему дали заносить, чтобы походил, больше на настоящий…»
Работа шла параллельно над двумя вариантами картины. Внося дополнения в первый из них и совершенствуя его, Репин вел одновременно второй, основной вариант, в котором стремился к более монументальному выражению замысла. На это были направлены поиски «картинной» композиции, четких, рельефно вылепленных образов, ярких народных характеров. Постепенно картина насыщается множеством выверенных бытовых и психологических деталей. Единичный эпизод приобретает характер исторической эпопеи, выражающей идею патриотического подвига свободолюбивого народа.
Этой задаче служит композиция картины, ее ритмическое построение, весь ее цветовой строй.
Группа запорожцев дана крупным планом, она приближена к зрителю, который оказывается как бы свидетелем происходящей сцены. Живое движение группы, тонко продуманная связь отдельных фигур создает ощущение внутреннего единства, духовной близости атамана Серко и его соратников.
Зритель «читает» картину в определенной последовательности, переходя от фигуры к фигуре, не утрачивая при этом целостности ее восприятия.
Любопытно отметить, что в поисках наибольшей выразительности композиции Репин лепил из глины небольшие фигурки запорожцев в различных позах и компоновал их в группы. Колористическое решение полотна построено на сопоставлении интенсивных и приглушенных красочных звучаний. Яркая цветистость одежды запорожцев дана в ритмическом чередовании, наиболее значительные персонажи акцентируются цветом.
В целом картине присуща, сравнительно с ее эскизами и первым вариантом, большая живописная сдержанность, что, несомненно, было результатом продуманного художником решения. Репин не мог позволить себе увлечься «живописной стихией» в ущерб ясности образов.
«Все время работал над «Запорожцами». Работал над общей гармонией картины. Какой это труд! Надо каждое пятно, цвет, линия — чтобы выражали вместе общее настроение сюжета и согласовались бы и характеризовали бы всякого субъекта в картине. Пришлось пожертвовать очень многим и менять многое и в цветах и в личностях»,— писал Репин в одном из своих писем.
Весь задний план картины — в сумерках, в дыму костров; колышутся в поднятых руках пики, колья; чувствуется, что вся Сечь возбуждена, кипит гневом. Это создает ощущение боевого лагеря, рождает образ буйной, воинственной Сечи. На таком фоне особенно компактно и сплоченно выступает основная, центральная группа запорожцев.
Репин стремится к максимальной пластической выразительности каждого образа, к раскрытию его особого психического состояния. И вместе с тем каждый из изображенных им персонажей — живое воплощение всей свободолюбивой запорожской вольницы.
Запорожцы сгрудились вокруг писаря. Здесь же кошевой атаман Иван Дмитриевич Серко. Письмо сочиняется сообща, каждый участник уснащает его колкими словечками и прибаутками. Удачная шутка, едкое словцо вызывают горячее одобрение всех присутствующих. Общий смех, варьирующийся на бесконечные лады, сопровождает любую реплику, выражающую презрение запорожцев к угрозе турецкого султана, их неукротимую волю к свободе и независимости.
Тончайшие нюансы смеха — от чуть заметной улыбки писаря до раскатистого хохота Тараса Бульбы — переданы Репиным с совершенным мастерством художника-психолога.
«Со стороны передачи всех возможных ступеней смеха,— писал И. Э. Грабарь,— Репин добился здесь путем длительной, упорной работы и постоянных переписываний и улучшений, таких результатов, что на основании нескольких десятков голов запорожцев можно составить исчерпывающий своеобразный «атлас смеха».
Однако в картине Репина нельзя видеть только «физиологию смеха»; такая трактовка «Запорожцев» неверна, она выхолащивает глубокое идейное содержание картины. В бурном взрыве смеха запорожских казаков, в их удалом веселье выражено чувство безграничной смелости, сила народного духа, презрение к врагу.
Ярко очерченные индивидуальные характеры запорожцев переданы художником в момент острого выявления их гражданских чувств.
Все они охвачены единым душевным порывом, но каждый по-своему реагирует на происходящее. Вот слева возвышается казак-великан с повязанной головой, раненный, вероятно, басурманской саблей в недавней схватке. А как выразителен другой казак, в порыве восторга хвативший что есть силы кулаком по голой спине соседа… Широко смеется беззубым ртом усатый старичишка, а рядом суровый батько с люлькой, поблескивая глазами, еле сдерживает улыбку. Весело, задорно, ехидно смеется, хохочет, ухмыляется запорожское войско! От его веселого разгула «пыль поднималась столбом, воздух стонал стоном, земля звенела звоном…»
Для большинства фигур запорожцев Репину позировали его знакомые и друзья: для писаря — историк Д. Эварницкий, для Тараса Бульбы — профессор Петербургской консерватории А. Рубец, для есаула — артист Д. Стравинский; в образе казака с повязкой на лбу можно узнать художника Н. Кузнецова, в образе Серко — генерала М. Драгомирова.
Запорожец в высокой черной шапке писался с В. Тарновского, казак, опустивший кулак на спину соседа,— с художника Я. Ционглинского. И даже затылок запорожца, развалившегося на бочке, портретен.
Однако модели, которыми пользовался художник, не могут быть названы прототипами его образов. Они лишь в отдаленной степени схожи с ними. Репин в своих картинах никогда не копировал позировавших ему людей, а всегда творчески перерабатывал их облик, подчиняя все общей задаче произведения.
Многочисленные детали картины — костюмы, утварь, старинные пороховницы, люльки, сабли, турецкие ружья с инкрустацией, бандура, баклага, белая свитка — все написано с натуры, с подлинных исторических предметов. Но изучая украинскую старину, художник не стал при этом рабом археологии и сумел избежать сухого протоколизма.
В письме к Стасову он говорит о своей ненависти к «историческому воскресению мертвых, к народно-этнографическим сценам». Стремясь к образному воссозданию эпохи, Репин сумел воскресить самый дух неукротимой запорожской вольницы.
Над «Запорожцами» Репин работал в общей сложности тринадцать лет. Картина была уже в основном закончена, а художник все вносил да вносил в нее изменения. Так, например, справа на холсте, где стоит казак в серой бурке, обращенный спиной к зрителю, раньше был написан толстый хохочущий запорожец с черными усами. Репин решил, что этот персонаж повторяет казака в белой папахе и отвлекает внимание от центральной группы.
Во имя цельности всей композиции он пожертвовал одной из лучших фигур и записал ее. Друзья уговорили художника сделать перед этим копию головы казака. Этот превосходный «Этюд головы смеющегося казака» находится сейчас в частном собрании за границей.
«Если бы Вы видели все метаморфозы, какие происходили у меня здесь в обоих углах картины!— писал Репин А. С. Суворину.— Чего только тут не было! Была и лошадиная морда; была и спина в рубахе; был смеющийся — великолепная фигура,— все не удовлетворяло , пока я не остановился на этой дюжей простой спине,— мне она понравилась, и с ней я уже быстро привел всю картину в полную гармонию. И теперь, хотя бы 1 000 000 корреспондентов «Тimеs» разносили меня в пух и прах, я остался бы при всем своем; я глубоко убежден, что теперь в этой картине не надо ни прибавлять, ни убавлять ни одного штриха».
После всех исправлений «Запорожцы» впервые появились на юбилейной выставке работ Репина в 1891 году, устроенной в Академии художеств по случаю двадцатилетия творческой деятельности художника. Картина была горячо принята зрителями и получила высокую оценку в печати. «Всмотритесь попристальнее,— писал рецензент газеты «Новости»,— вы начинаете понимать, что перед вами не просто веселая компания, а исторические деятели, не эпизод комедии, а исторический момент. Это право насмешки над грозным и могущественным султаном куплено кровью, куплено бесчисленным количеством героических смертей и деяний. Нужна великая отвага в душе, великое, смелое сердце, чтобы так искренне смеяться в такую минуту». Наряду с похвалами раздавались и отдельные голоса, порицавшие Репина за то, что в «Запорожцах», якобы, «первое место принадлежит не духу, а плоти».
Особенно возмущен был Репин замечаниями одного крупного художника, сравнившего хохочущих запорожцев с кутилами из ресторана Палкина.
«Он не понимает и не верит в запорожцев,— жаловался Репин Стасову.— Он все забыл, или ничего не знает из русской истории. Он забыл, что до учреждения этого рыцарского народного ордена наших братии десятками тысяч угоняли в рабство и продавали, как скот, на рынках Трапезонта, Стамбула и других турецких городов. Так дело тянулось долго, была даже установившаяся цена на славянина и на немца (немец ценился дороже). И вот выделились из этой забитой, серой, рутинной, покорной, темной среды христиан — выделились смелые головы, герои, полные мужества, героизма и нравственной силы. «Довольно,— сказали они туркам,— мы поселяемся на порогах Днепра и отныне — разве через наши трупы вы доберетесь до наших братьев и сестер». И если Вы вспомните, что даже в последний свой поход в Крым Серко вывел оттуда до 6000 пленных христиан».
В «Запорожцах», в противоположность другим своим историческим картинам («Иван Грозный и сын его Иван», «Царевна Софья»), Репин сосредоточил свое внимание не на отдельных личностях, а на народной массе. Он создал собирательный образ свободолюбивого народа, и картина его звучит торжествующим гимном казацкой вольнице. Не только физическую силу запорожцев воспел Репин, он сумел передать общность и единство их гордого коллектива, воодушевленного патриотической идеей.
«Должен Вам признаться,— писал Репин Н. С. Лескову,— что я и в «Запорожцах» имел идею. И в истории народов, и в памятниках искусства, особенно в устройстве городов, архитектуре, меня привлекали всегда моменты проявления всеобщей жизни горожан, ассоциаций; более всего в республиканском строе, конечно… И наше Запорожье меня восхищает этой свободой, этим подъемом рыцарского духа. Удалые силы русского народа отреклись от житейских благ и основали равноправное братство на защиту лучших своих принципов…»
Вера художника в могучие силы родного народа, понимание народа как творца истории способствовали созданию этого замечательного исторического полотна, с предельной реалистической выразительностью, глубоко и правдиво отразившего народную жизнь. История искусства
Автор:
26 января 2015 17:27
Бессмертными картинами великих художников восхищаются миллионы людей. Искусство, классическое и современное, это один из самых главных источников вдохновения, вкуса и культурного воспитания любого человека, а уж творческого и подавно.
Мы постарались каждую работу сопроводить интересным фактом, объяснением художественного смысла или историей ее создания.
Надеемся, получилось интересно
Рафаэль «Сикстинская мадонна» 1512
Хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене.
У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.
Рембрандт «Ночной дозор» 1642
Хранится в Государственном музее в Амстердаме.
Истинное название картины Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга». Обнаружившим в XIX веке картину искусствоведам показалось, что фигуры выступают на темном фоне, и ее назвали «Ночной дозор». Позднее обнаружилось, что темной картину делает слой копоти, а действие на самом деле происходит днем. Однако в сокровищницу мирового искусства картина уже вошла под названием «Ночной дозор».
Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» 1495–1498
Находится в монастыре Санта-Мария делле Грацие в Милане.
За более 500-летнюю историю существования произведения фреска не раз подвергалась разрушениям: через роспись был проделан, а затем заложен дверной проем, трапезную монастыря, где находится изображение, использовали как оружейный склад, тюрьму, подвергали бомбежке. Знаменитую фреску реставрировали не менее пяти раз, причем последняя реставрация заняла 21 год. Сегодня, чтобы посмотреть произведение искусства, посетители должны заказывать билеты заранее и могут провести в трапезной только 15 минут.
Сальвадор Дали «Постоянство памяти» 1931
Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
По признанию самого автора, картина была написана в результате ассоциаций, возникших у Дали при виде плавленого сыра. Вернувшись из кино, куда она ходила в тот вечер, Гала совершенно правильно предсказала, что никто, раз увидевши «Постоянство памяти», уже его не забудет.
Питер Брейгель Старший «Вавилонская башня» 1563
Хранится в Музее истории искусств в Вене.
По мнению Брейгеля в неудаче, постигшей строительство Вавилонской башни, повинны не внезапно возникшие согласно библейскому сюжету языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.
Казимир Малевич «Чёрный квадрат» 1915
Хранится в Государственной Третьяковской галерее
По утверждению художника, он писал картину несколько месяцев. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Черного квадрата» (по некоторым данным, семь). По одной из версий, художник не смог закончить работу над картиной в нужный срок, поэтому ему пришлось замазать работу черной краской. Впоследствии, после признания публики, Малевич писал новые «Черные квадраты» уже на чистых холстах. Малевичем были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и один «Белый квадрат».
Кузьма Сергеевич Петров-Водкин «Купание красного коня» 1912
Находится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Написанная в 1912 году, картина оказалась провидческой. Красный конь выступает в роли Судьбы России или самой России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. таким образом, художник символически предсказал своей картиной «красную» судьбу России XX века.
Питер Пауль Рубенс «Похищение дочерей Левкиппа» 1617-1618
Хранится в Старой пинакотеке в Мюнхене.
Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» 1898
Хранится в Музее изящных искусств в Бостоне.
По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».
Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ» 1830
Хранится в Лувре в Париже
Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года во Франции. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для нее писать». Обнаженная грудь женщины, ведущей народ, символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.
Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце» 1872
Хранится в Музее Мармоттан в Париже.
Название произведения «Impression, soleil levant» с легкой руки журналиста Л. Леруа стало именем художественного направления «импрессионизм». Картина написана с натуры в старом аванпорте Гавра во Франции.
Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой» 1665
Хранится в галерее Маурицхейс в Гааге.
Одну из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера часто называют северной или голландской Моной Лизой. О картине очень мало известно: она не датирована, имя изображенной девушки не известно. В 2003 году по одноимённому роману Трейси Шевалье был снят художественный фильм «Девушка с жемчужной серёжкой», в котором гипотетически восстановлена история создания полотна в контексте биографии и семейной жизни Вермеера.
Иван Айвазовский «Девятый вал» 1850
Хранится в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.
Иван Айвазовский — всемирно известный российский художник-маринист, посвятивший свою жизнь изображению моря. Им создано около шести тысяч произведений, каждое из которых получило признание при жизни художника. Картина «Девятый вал» включена в книгу «100 великих картин».
Андрей Рублев «Троица» 1425-1427
Хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублевым в XV веке, является одной из самых прославленных русских икон. Икона представляет собой доску вертикального формата. Цари (Иван Грозный, Борис Годунов, Михаил Федорович) «обкладывали» икону золотом, серебром и драгоценными камнями. Сегодня оклад хранится в Сергиево-Посадском государственном музее-заповеднике.
Михаил Врубель «Демон сидящий» 1890
Хранится в Третьяковской галерее в Москве.
Сюжет картины навеян поэмой Лермонтова «Демон». Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов.
Уильям Блейк «Великий архитектор» 1794
Хранится в Британском музее в Лондоне.
Название картины «The Ancient of Days» буквально переводится с английского как «Ветхий днями». Это словосочетание использовалось в качестве имени Бога. Главный персонаж картины — Бог в момент творения, который не устанавливает порядок, а ограничивает свободы и обозначает пределы воображения.
Эдуар Мане «Бар в „Фоли-Бержер“» 1882
Хранится в Институте искусства Курто в Лондоне.
«Фоли-Бержер» — это варьете и кабаре в Париже. Мане часто посещал «Фоли-Бержер» и в итоге написал эту картину — последнюю перед своей смертью в 1883 году. За стойкой бара, посреди пьющей, едящей, разговаривающей и курящей толпы, стоит поглощенная собственными мыслями барменша, наблюдающая за акробатом на трапеции, которого можно заметить в верхнем левом углу картины.
Тициан «Любовь земная и Любовь небесная» 1515–1516
Хранится в Галерея Боргезе в Риме.
Примечательно, что современное название картины не было дано самим художником, а начало употребляться лишь два века спустя. До этого времени у картины были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь земная и Любовь небесная» (1792 и 1833).
Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею» 1889–1890
Хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
Первая и самая значительная работа из цикла, посвящённого Сергию Радонежскому. До конца своих дней художник был убеждён в том, что «Видение отроку Варфоломею» — самое лучшее его произведение. На старости лет художник любил повторять: «Жить буду не я. Жить будет „Отрок Варфоломей“. Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я.»
Питер Брейгель Старший «Притча о слепых» 1568
Хранится в Музее Каподимонте в Неаполе.
Другие названия картины — «Слепые», «Парабола слепых», «Слепой ведет незрячего». Считается, что сюжет картины основан на библейской притче о слепых: «Если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму».
Виктор Васнецов «Аленушка» 1881
Хранится в Государственной Третьяковской галерее.
За основу взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Изначально картина Васнецова называлась «Дурочка Алёнушка». «Дурочками» в то время называли сирот. «Аленушка», — рассказывал впоследствии сам художник, — «как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах… Каким-то особым русским духом веяло от нее».
Винсент ван Гог «Звёздная ночь» 1889
Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
В отличие от большинства картин художника, «Звездная ночь» была написана по памяти. Ван Гог находился в то время в лечебнице Сен-Реми, терзаемый приступами безумия.
Карл Брюллов «Последний день Помпеи» 1830-1833
Хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
На картине изображено известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.
Пабло Пикассо «Девочка на шаре» 1905
Хранится в Пушкинском музее, Москва
Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову, который в 1913 г. приобрел ее за 16 000 франков. В 1918 г. личная коллекция И. А. Морозова была национализирована. В настоящий момент картина находится в собрании Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.
Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» 1491
Хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
Первоначальное название картины — «Мадонна с младенцем». Современное название картины происходит от имени её владельца — графа Литта, владельца фамильной картинной галереи в Милане. Существует предположение, что фигура младенца была написана не Леонардо да Винчи, а принадлежит кисти одного из его учеников. Об этом свидетельствует необычная для авторской манеры поза младенца
Жан Энгр «Турецкие бани» 1862
Хранится в Лувре в Париже.
Энгр закончил писать эту картину, когда ему было уже за 80 лет. Этой картиной художник подводит своеобразный итог изображения купальщиц, тематика которых давно присутствовала в его творчестве. Изначально полотно было в форме квадрата, однако через год после его завершения художник превратил его в круглую картину — тондо.
Иван Шишкин, Константин Савицкий «Утро в сосновом лесу» 1889
Хранится в Третьяковской галерее в Москве
Михаил Врубель «Царевна-Лебедь» 1900
Хранится в Государственной Третьяковской галерее
Картина написана на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноименной сказки А. С. Пушкина. Врубель создал премьеры оперы 1900 года эскизы для декораций и костюмов, а партию Царевны-Лебеди пела его жена.
Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна» 1590
Находится в Замке Скоклостер в Стокгольме.
Одна из немногочисленных сохранившихся работ художника, который составлял портреты из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и так далее. «Вертумн» — это портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времен года, растительности и преобразования. На картине Рудольф полностью состоит из плодов, цветов и овощей.
Эдгар Дега «Голубые танцовщицы» 1897
Находится в Музее искусств им. А. С. Пушкина в Москве.
Дега был большим поклонником балета. Его называют художником балерин. Произведение «Голубые танцовщицы» относится к позднему периоду творчества Дега, когда его зрение ослабело, и он стал работать большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины.
Леонардо да Винчи «Мона Лиза» 1503–1505
Хранится в Лувре, Париж.
«Мона Лиза» возможно не получила бы всемирную известность, если бы ее не похитил в 1911 году работник Лувра. Картину нашли спустя два года в Италии: вор отозвался на объявление в газете и предложил продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Все это время, пока шло следствие, «Мона Лиза» не сходила с обложек газет и журналов всего мира, став объектом копирования и поклонения.
Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» 1486
Хранится во Флоренции в галерее Уффици
Картина иллюстрирует миф рождения Афродиты. Обнаженная богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций. «Рождение Венеры» хорошо сохранилось благодаря тому, что Боттичелли нанес на картину защитный слой из яичного желтка.
Микеланджело «Сотворение Адама» 1511
Находится в Сикстинской капелле в Ватикане.
Фреска «Сотворение Адама» является четвертой из девяти центральных композиций потолка Сикстинской капеллы, посвященных девяти сюжетам книги Бытия. Фреска иллюстрирует эпизод: «И сотворил Бог человека по образу Своему» (Быт.1:27).
Источник: http://www.adme.ru/tvorchestvo-reklama/33-shedevra-mirovoj-zhivopisi-283055/#image686905 © AdMe.ru
Ссылки по теме:
Новости партнёров
реклама
Григорий Ландау — журналист и философ, когда-то сказал так: «Искусство – диалог, в котором собеседник молчит». Живопись — тонкое искусство, иносказательное, эмоциональное, дающее свободу в интерпретациях. Это целый мир нераскрытых тайн и неразгаданных загадок. Попробуем приоткрыть завесу тайны над историей создания самых известных полотен великих художников.
#1. Святой Георгий и дракон, Паоло Уччелло, 1470
Святой Георгий и дракон, Паоло Уччелло.
На самом деле у художника есть две версии этой картины. В этой версии, Георгий побеждает дракона, которого Прекрасная Дама держит за поводок. В картине заложен глубокий религиозный смысл. Согласно легенде в озере одного города в Ливии поселился дракон. Император-язычник велел приносить ему в жертву красивых девушек. Когда молодых женщин в городе не осталось, император отправил к дракону свою собственную дочь. Отважный воин Георгий отправился её спасать и поверг дракона. Принцесса здесь символизирует собой гонимую христианскую Церковь, дракон — язычество, а Георгий — христианскую веру. Есть версии, что Георгий, впоследствии признанный святым, попирает не просто язычество, а самого дьявола, «древнего змия».
#2. Jaime La Couleur, Чери Самба, 2003
Jaime La Couleur, Чери Самба.
«J’aime la couleur» — автопортрет художника. Вот как он раскрывает смысл своей работы: «Цвет везде. Я считаю, что цвет — это жизнь. Наша голова должна вращаться по спирали, чтобы понять, что всё, что нас окружает, это не что иное, как цвета. Цвет — это вселенная, вселенная — это жизнь, живопись — это жизнь ».
#3. Баня, Жан-Леон Жером, 1885
Баня. Жан-Леон Жером.
Эксперты считают, что данная картина и серия ей подобных, в творчестве Жерома символизируют «белый» снобизм. Это видно по динамике фигур, изображённых на полотне. Белая женщина — объект с главенствующей ролью, в то время как темнокожая женщина демонстрирует покорность.
#4. Сад земных наслаждений, Иероним Босх, 1490-1510
Сад земных наслаждений, Иероним Босх.
Иероним Босх — один из самых загадочных художников в мире. Символика его картин настолько запутана, что единого объяснения огромному количеству, изображённых на них символов, найти просто невозможно. Конкретная работа получила своё название от исследовавших её искусствоведов. Подлинное название так и осталось неизвестным. Историки считают, что левая панель триптиха — это рай, центральная — современная грешная человеческая жизнь, а правая часть изображает ад. Но вопросов картина порождает гораздо больше, чем даёт ответов.
#5. Шулера, Караваджо, 1594
Шулера, Караваджо.
Эта работа изображает вовсе не карикатуру на порок грязных азартных игр. Это скорее спокойное повествование о том, о чём Караваджо был хорошо осведомлён. Ведь сам художник проводил жизнь весьма фривольно и даже бурно. Сюжет сводится к описанию разворачивающейся драмы — драмы обмана и утраченной невинности. Наивного юнца взяли в оборот опытные шулера. Старший подглядывает ему в карты и подаёт знаки другому шулеру.
#6. Уотсон и акула, Джон Синглтон Копли, 1778
Уотсон и акула, Джон Синглтон Копли.
На картине изображён случай из реальной жизни. В 1749 году, в Гаване, Брук Уотсон, 14-летний юнга, решил искупаться. Его атаковала акула. Капитан корабля на котором служил мальчик, пытается спасти его, убив акулу гарпуном. Капитану удалось это только с третьей попытки. Уотсон, в этом неравном сражении, потерял ступню. Всю жизнь потом он ходил с деревянной ногой. Это никак не помешало стать ему мэром Лондона. В это же время он познакомился с художником и рассказал ему эту историю. Что и послужило вдохновением для Джона Копли.
#7. Композиция VIII Василия Кандинского, 1923
Композиция VIII, Василий Кандинский.
С самого детства Кандинский был очарован цветом. Художник считал, что он обладает трансцендентными свойствами. Свои композиции Кандинский писал как композитор симфонии. Каждая композиция отражала видение художника в свой период времени. Кандинский использовал в своих работах геометрические фигуры, потому что верил в их мистические свойства. Цвета же фигур отражали эмоции.
#8. Сатурн, пожирающий сына, Франсиско Гойя, 1823
Сатурн, пожирающий сына, Франсиско Гойя.
К старости Гойя оглох, ухудшилось и его здоровье в целом, как физическое, так и психологическое. Именно с этим историки связывают написание им серии из 14, как их назвали «Мрачных картин». Которые он писал внутри на стенах своего дома. «Сатурн, пожирающий сына» — одна из них. Это общеизвестный древнегреческий миф о титане Кроносе (позже римляне переименовали его в Сатурна). Кроносу предсказали, что его свергнет его собственный сын. И Сатурн поедал всех своих новорождённых детей. У Гойи Сатурн изображён страшным полусумасшедшим стариком, который поедает не младенца, а взрослого ребёнка. Есть много толкований смысла данного полотна. Но самое главное это то, что художник писал её не для общественности. Возможно, таким образом, Гойя пытался изгнать своих собственных демонов.
#9. Олень у Шарки, Джордж Уэсли Беллоуз, 1909
Олень у Шарки, Джордж Уэсли Беллоуз.
Художник изобразил обыденную сцену из повседневной жизни в Нью-Йорке начала 20 века. Частный бойцовский клуб какие располагали обычно в бедных кварталах. «Оленями» там называли посторонних, которые не были членами клуба. Они получали временное членство для того, чтобы провести бой. Беллоуз написал картину в таком ракурсе, что когда ёё разглядываешь, создаётся впечатление, что ты находишься среди зрителей боя.
#10. Друг познаётся в беде, Кассий Марцелл Кулидж, 1903
Друг познаётся в беде, Кассий Марцелл Кулидж.
«Друг познаётся в беде» — самая популярная картина из серии «Dogs Playing Poker» Кассиуса Марцелла Кулиджа. Эта серия была заказана Кулиджу компанией Brown & Bigelow для рекламы сигар. Хотя картины Кулиджа никогда не считались критиками подлинным искусством, с тех пор они стали культовыми.
#11. Едоки картофеля, Винсент Ван Гог, 1885
Едоки картофеля, Винсент Ван Гог.
Ван Гог хотел изобразить крестьян такими, какие они есть на самом деле. Он хотел показать совершенно иной образ жизни, отличный от высших классов. Позже он написал своей сестре и заявил, что «Едоки картофеля» — его самая успешная картина.
#12. Плот Медузы, Теодор Жерико, 1819
Плот Медузы, Теодор Жерико.
Полотно «Плот Медузы» («Le Radeau de la Méduse») изображает последствия крушения французского военно-морского фрегата «Медуза». Часть людей поместилась в шлюпки, для остальных 147 человек наспех соорудили плот. Шлюпки буксировали плот. Но, капитан, заметив, что плот слишком тяжел, приказал обрубить канаты. Почти полторы сотни людей были брошены на произвол судьбы без еды и воды. За 13 дней их путешествия на плоту, с призрачной надеждой на спасение, из 147 человек выжили 15. Обезумевшие от голода и жажды люди поедали друг друга и пили кровь. Эту позорную историю Франция хотела замять, но слишком уж вопиющей она была и это не удалось.
#13. Бурлаки на Волге, Илья Репин, 1873
Бурлаки на Волге, Илья Репин.
Эта работа самая известная у Ильи Репина. Картина стала культовой. Работа, которую провёл художник была нешуточной. Со всеми бурлаками, изображёнными на картине Репин познакомился лично. Художник написал сотни эскизов и потратил на эту работу целых 5 лет. И историки, и современники считают картину прямым осуждением тяжёлого труда угнетённых классов. Хотя, Репин всегда открещивался от подобного мнения.
#14. Сусанна и старейшины, Артемизия Джентилески, 1610
Сусанна и старейшины, Артемизия Джентилески.
«Сусанна и старейшины» — это библейская история из Ветхого Завета. Во времена императора Навуходоносора еврейский народ попал к вавилонянам в рабство. Среди них были Сусанна с её мужем Иоакимом. Женщина обладала неземной красотой и двое старейшин возжелали её. Они пригрозили ей, что если Сусанна не будет с ними ласкова, то они скажут народу, что она прелюбодейка. Женщина отказалась, и старейшины исполнили свои угрозы. По еврейским законам её приговорили к смерти. Но тут вмешался молодой пророк Даниил. Он придумал допросить мужчин сначала отдельно, а потом вместе. Их версии не совпали, клевета вскрылась. Сусанну оправдали, а старейшин казнили. Очень примечательно, что художнице было всего 17, когда она написала эту картину. Для самой Артемизии она стала пророческой, ибо с ней, впоследствии, произошла подобная история.
#15. Клиника Гросса, Томас Икинс, 1875
Клиника Гросса, Томас Икинс.
Сюжет этой картины основан на операции, свидетелем которой являлся Икинс. Проводил её один из лучших хирургов Америки доктор Сэмюэл Гросс. Операция проводилась в аудитории на глазах студентов с целью обучения. Доктор показывал как проводить лечение инфекции с помощью консервативной операции, а не ампутации всей конечности (что было стандартным для того времени). Полотно изображает действительность без прикрас: и спокойный профессионализм Гросса, и страдание женщины в левом нижнем углу. Исследователи считают, что мать пациента. Критики и зрители работу оценили, к разочарованию Икинса, крайне негативно. Люди, спокойно созерцающие сюжеты кровавых битв, оказались не готовы лицезреть реализм медицинской операции.
#16. Странник над морем тумана, Каспар Давид Фридрих, 1818
Странник над морем тумана, Каспар Давид Фридрих.
«Странник над морем тумана» («Der Wanderer über dem Nebelmeer») — полотно, где художник остался верен своему романтическому стилю. На картине Фридрих изобразил самого себя, одиноко стоящего спиной к зрителю на тёмной крутой скале. «Странник над морем тумана» — метафора. Она о саморефлексии, о неизвестном будущем. Фридрих об этой работе сказал так: «Художник должен рисовать не только то, что у него перед собой, но и то, что он видит внутри себя».
#17. Сборщицы колосьев, Жан-Франсуа Милле, 1857
Сборщицы колосьев, Жан-Франсуа Милле.
На картине «Сборщицы колосьев» («Des glaneuses») изображены три крестьянки, которые собирают оставшиеся, после уборки поля, колоски. Тяжёлый смиренный труд крестьян вызывал сочувствие у художника. Именно эти эмоции выразились в картине. Но в обществе работа вызвала негативную критику со стороны высших классов. Франция недавно пережила революцию и представители знати посчитали эту картину неприятным напоминанием о том, что французское общество построено на труде низших классов. А так как в то время рабочий класс превосходил численность высшего класса, побоялись, что картина, каким-то образом, может подтолкнуть низший класс к восстанию.
#18. Крик, Эдвард Мунк, 1893
Крик, Эдвард Мунк.
“Крик» — один из самых загадочных шедевров мировой живописи. Мунк говорил, что как-то он вышел на прогулку на закате. Свет заходящего солнца окрасил облака в кроваво-красный цвет. И Мунк вдруг услышал, почувствовал, как он выразился, «бесконечный крик природы». Другое объяснение могло быть результатом эмоционального состояния Мунка, поскольку его сестра совсем недавно была отправлена в сумасшедший дом. Эту картину много раз похищали. Сюжет можно считать пророческим: в конце 19 века Мунк описал катастрофы века 20.
#19. Большая волна от Канагава, Кацусика Хокусай, 1829 — 1833
Большая волна от Канагава, Кацусика Хокусай.
Композиция состоит из трех основных элементов: штормящего моря, трёх лодок и горы. Гора со снежной вершиной — гора Фудзи, которую японцы считают священной. Это символ национальной идентичности и красоты. Такие необычные для азиатской живописи игры с пространством и яркие цвета. Картина символизирует страх человека перед неукротимой стихией и вынужденная покорность ей.
#20. Звёздная ночь, Винсент Ван Гог, 1889
Звёздная ночь, Винсент Ван Гог.
«Звёздная ночь» — шедевр, увидев который лишь однажды, вы больше никогда его не забудете. Художник написал её, находясь в больнице для душевнобольных. Эти вихревые потоки, огромные звёзды… Некоторые считают, что Ван Гог изобразил вид из окна. Но больным не разрешали выходить на улицу, даже работать в палате воспрещалось. Брат Винсента упросил руководство больницы выделить ему комнатку, чтобы он мог писать. Исследователи полагают, что Ван Гог изобразил на своей картине такое явление как турбулентность — вихревые потоки из воды и воздуха. Этого нельзя увидеть, но обострённое восприятие художника помогло узреть ему то, что скрыто от глаз обычных смертных.
Прочтите ещё одну нашу статью о 10 пропавших и вновь обретённых шедеврах великих мастеров.
По материалам boredpanda.com
Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:
О мировом искусстве можно говорить часами и писать тысячи книг. За именем каждого художника — непростая жизнь, за каждым полотном — голос времени, за каждым мазком — желание выразить нечто большее.
Редакция Losko выбрала пять картин, которые не оставили ее равнодушной. Они относятся к разным периодам и течениям в искусстве. Из статьи вы узнаете, где Ван Гог писал «Звездную ночь», как возник замысел «Черного квадрата» и какое на самом деле украшение у «Девушки с жемчужной сережкой».
«Звездная ночь», 1889
Художник
Нидерландский художник Винсент Ван Гог с детства был тонко чувствующим и замкнутым ребенком. В юности он семь лет занимался оценкой и продажей картин в фирме своего дяди, где и обнаружил страсть к рисованию. Однако коммерция и искусство были для него несовместимы. Будучи сыном священника, он решил пойти по стопам отца: трижды пытался получить теологическое образование, но обостренное чувство прекрасного и справедливого не позволяло ему ладить с людьми.
Потерпев очередную неудачу, Ван Гог сосредоточился на творчестве и решил создать вместе с Полем Гогеном свою мастерскую. Но регулярные конфликты чувствительного Винсента с жестокой реальностью в итоге окончательно вывели его из равновесия: в 1889 году художник попал в психиатрическую лечебницу. Там он прожил год и написал большую часть своих картин. Через несколько месяцев после выхода из лечебницы Ван Гог, по основной версии, покончил жизнь самоубийством, выстрелив в себя из револьвера.
История
В мае 1889 года, во время очередного обсуждения планов с Гогеном, Ван Гог внезапно пришел в неистовство и набросился на друга с бритвой в руках. До конца не ясно, что именно произошло, но позднее ночью Винсент отрезал себе мочку уха. Его забрали в психиатрическую лечебницу в Арле, где через месяц после происшествия художник написал картину «Звездная ночь». И хотя Ван Гог изобразил вид из окна больницы, большая часть экспозиции вымышленная: ему было видно только пшеничное поле и небо.
Стиль
Ван Гог был постимпрессионистом. Художники этого направления стремились отойти от точного изображения предметов и от импрессионистской фиксации момента. Для них на первом месте стояла задача показать фундаментальные смыслы, используя цвет и формы. Точность в изображении реальных объектов теперь тоже была не обязательна — главным стало выразить идею.
В случае с картиной «Звездная ночь» сам Ван Гог никак не пояснял свою задумку. Искусствоведы полагают, что огромные вихреватые звезды отсылают к религиозным чувствам: размышлениям о конце бытия, о вечности. Важно отметить, что картина была написана накануне острого приступа Ван Гога в июле 1889 года: возможно он творил в состоянии обостренного восприятия.
Интересные факты
- Хотя картина стала одним из известнейших полотен Ван Гога, он в переписке с художником Эмилем Бернаром назвал её «провалом». Ван Гог стремился писать с натуры и избегать таких абстрактных элементов, как, например, завихрения света звезд.
- Самая яркая звезда на картине, расположенная справа от кипарисов, — Венера, которая, по мнению исследователей, действительно была таковой в то время в Провансе.
«Черный квадрат», 1915
Художник
Казимир Малевич родился в Киеве, по происхождению был поляком. Он увлекся рисованием еще в детстве, первую масштабную картину написал в 16 лет. Дважды пытался поступить в Московское училище живописи, ваяния и зодчества и дважды получал отказ.
Малевич создал уникальное направление в абстракционизме — супрематизм. Занимался разработкой теоретического фундамента этого течения, писал философские труды, преподавал живопись.
История
Идея произведения и супрематизма в целом возникла в декабре 1913 года. Тогда Казимир Малевич рисовал эскизы декораций к футуристической опере, где изобразил черный квадрат как противоположность солнечному кругу. Позже Малевич написал «Черный квадрат» в 1915 году наряду с другими картинами для футуристической выставки. Сам художник датировал работу 1913 годом и называл ее «основным супрематическим элементом». Датой создания полотна он считал год его придумки.
Простота изображения отражала суть картины — «Черный квадрат» означал новую веху в живописи, точку отсчета, «нуль форм». Вместе с этим полотном Малевич написал также «Черный круг» и «Черный крест», которые также легли в основу супрематической системы.
Стиль
Супрематизм развился из абстракционизма и был попыткой окончательно уйти от предметности. По мнению Малевича рисование с натуры так же примитивно, как и наскальная живопись.
Супрематизм стремился уравнять художника и природу — они не копируют, а создают с нуля. Основными инструментами художника стали лишь цвет и простейшие геометрические фигуры.
Интересные факты
- Помимо первоначального «Черного квадрата» 1915 года были написаны еще три авторских повторения картины. Оригинальное полотно хранится по сей день в Третьяковской галерее.
- В 2015 году ученые нашли и расшифровали надпись на картине «Черный квадрат». Она звучит так: «Битва негров в темной пещере». Надпись предположительно наспех сделана самим Малевичем и отсылает к черному полотну художника Альфонса Алле «Битва негров в пещере глубокой ночью», 1882 год.
«Девочка с персиками», 1887
Художник
Валентин Серов родился в Санкт-Петербурге в интеллигентной семье композиторов. С юного возраста проявлял талант к рисованию. Первым учителем Серова был Илья Репин, который отмечал в ученике большую страсть к живописи.
Серов, искусный портретист, писал Николая Римского-Корсакова, Илью Репина, Николая Лескова, императора Александра III с семьей и Николая II. До последних лет жизни Серов преподавал в Московской школе живописи, ваяния и зодчества и был членом совета Третьяковской галереи.
История
Серов нарисовал «Девочку с персиками» в усадьбе Мамонтовых, где он часто гостил: впервые его отвезла туда мама в 10 лет. Многие годы художник регулярно останавливался там и был близким другом семьи. Картина была написана с одиннадцатилетний Веры Мамонтовой, дочери хозяина. В тот день все гости пообедали и вышли из столовой, оставив Веру и Серова одних. Вера возбужденно что-то рассказывала художнику, с которым они были хорошими друзьями. Валентин, будучи чутким живописцем, уловил детскую непосредственность Веры и попросил ее позировать десять сеансов.
В результате Серов писал работу более месяца. «Все, чего я добивался, — это свежести, той особенной свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я больше месяца и измучил ее, бедную, до смерти, уж очень хотелось сохранить свежесть живописи при полной законченности — вот как у старых мастеров» — говорил позже художник о том периоде.
Стиль
Портреты Серова относят к русскому импрессионизму. Этот стиль навеян процветающим в тот период французским импрессионизмом, отличающимся динамичностью и незавершенностью рисунка, как будто бы сделанного «на лету».
Однако русский импрессионизм отражал национальные черты: размеренность и осмысленность — наша деревня уступала европейскому темпу жизни. Вера Мамонтова на портрете расслабленно сидит за столом — лишь румянец на щеках напоминает о резвости девочки.
Интересные факты
- Скатерть, которой накрыт стол на картине, позднее также станет известной: все посетители усадьбы Мамонтовых расписывались на ней мелом, а Вера позже вышивала по этим следам. Скатерть стала уникальной коллекцией автографов художественного кружка Мамонтовых.
- Художник Михаил Нестеров очень любил «Девочку с персиками» Серова и называл портреты Репина и Васнецова «безжизненными» в сравнении с ним. Он считал, что в Париже картина сделает Серова известным, но «у нас пока подобное явление немыслимо: примут за помешанного и уберут с выставки, — настолько это ново и оригинально» — так он высказывается в своих письмах сестре.
«Девушка с жемчужной сережкой», 1665
Художник
Ян Вермеер родился и прожил всю жизнь в Нидерландах. Он принадлежит к представителям «золотого века» голландской живописи и стоит наравне с Рембрандтом. О жизни художника известно мало, ясно лишь то, что у него была хорошая школа живописи: в 21 год его приняли в гильдию Святого Луки, что было невозможно без шести лет серьезного обучения у признанного живописца. Позднее Вермеер дважды занимал должность руководителя гильдии.
Художник достиг успеха еще при жизни, обладал авторитетом и продавал свои картины за солидные суммы. Писал портретист не более двух работ в год. На данный момент известно о 34 подлинниках.
История
История картины «Девушка с жемчужной сережкой» окутана тайной. Дата написания указана предположительно, так как сам Вермеер ее не поставил. Исследователи до сих пор не знают, кто изображен на картине: по одной из теорий Ян Вармеер изобразил свою дочь Марию, которой было тогда около 12 лет. В пользу этой теории говорит удивительно прямой и смелый взгляд девушки, словно они с художником близко знакомы.
По другой версии девушка на портрете — не конкретный человек, а свободное творчество художника, или «трони» — анонимный портрет-фантазия. Эту теорию подтверждают описи имущества после смерти Вермеера, где указаны «два трони в турецком стиле» — речь вполне может идти о замысловатом тюрбане на голове девушки.
Стиль
Картина «Девушка с жемчужной сережкой» относится к барокко. Об этом говорит сочность, насыщенность цветов и контрастность, придающая портрету выпуклость. Художник мастерски изобразил свет на коже, подчеркнув его контрастно-темным фоном. Естественно выглядят блики в глазах и на губах девушки, которая смотрит словно куда-то за спину зрителю.
Интересные факты
- Художники в тот период не давали названий своим полотнам — их придумывали служащие, составлявшие описи имущества. Картина называлась «Девушка в тюрбане» и «Лицо девушки», и только перед выставкой в Вашингтоне в 1995 сотрудники музея Маурицхёйс придумали современные вариант.
- Серьезная дискуссия развернулась о самой сережке, а именно о ее «жемчужности». Многие исследователи обратили снимание на слишком большой размер камня, а также на яркий блик в его нижней части. Сейчас ученые склоняются к тому, что украшение было не из жемчуга, а из стекла, покрытого матовым слоем. Крупный жемчуг был редкостью и позволить его могли только богатые, поэтому из Венеции поставляли бижутерию.
«Постоянство памяти», 1931
Художник
Полотно написал испанский художник-сюрреалист Сальвадор Дали. Он с детства был эксцентричным и притягивающим к себе всеобщее внимание . За 85 лет он создал около 1500 произведений, включая сюрреалистические картины, иллюстрации, скульптуры.
Сальвадор Дали был известен при жизни. Он стал автором нескольких автобиографических книг, сценариев, разработал логотип «Chupa-Chups», работал с Уолтом Диснеем над мультфильмом «Destino», участвовал в создании фильмов Луиса Бунюэля и Альфреда Хичкока. Также Дали создал в своем доме в Порт Лигат 44 бронзовые статуи. Художник вдохновлялся в основном своими сновидениями, самоанализом и теориями Фрейда.
История
«Постоянство памяти» — небольшое полотно, которое Сальвадор Дали создал всего за пару часов, пока его жена Гала была с друзьями в кино. Сам художник не пошел, сославшись на мигрень. Изначально Дали писал мыс Креус, но в тот день он взглянул на картину и понял, что полотну не хватает какой-то идеи, смысла. Он уснул и перед ним предстал образ мягких часов, стекающих с ветви высохшей оливы. Сам Дали говорит, что на образы «текучих часов» его навел мягкий сыр камамбер, которым они ужинали накануне.
Небольшая картина была очень личной для художника. Позже Дали вспоминал, как показал её Гале: «Я наблюдал за тем, как она разглядывает картину и как отражается на ее лице очаровательное удивление. Так я убедился, что изображение производит эффект, ибо Гала никогда не ошибается.»
Стиль
«Постоянство памяти» относится к сюрреализму. Мягкие часы выражают основную мысль, озарившую Дали — идею об относительности времени и его нелинейности. Часы текут в разные стороны, демонстрируя то, как легко вернуться в прошлое или повлиять на будущее. Художник осознавал хрупкость и искусственность привычного понимания времени, о чем говорят изображенные на картине «твердые» часы, поедаемые муравьями, которые символизируют конечность, смертность, разложение.
Однако понятие времени не разрушается полностью — это подтверждают образы яйца, лежащего на берегу, а также зеркало, будто объединяющее море и небо. В глазах художника время противоречиво и относительно, но при этом все равно может существовать и создавать полотно мира.
Интересные факты
- Сам Сальвадор Дали дал лишь два комментария к картине: о том, что на мягкость часов его навели мысли о камамбере, и о том, что при написании он думал о древнегреческом философе Гераклите и его высказывании «Все меняется, все течет».
- Через несколько дней после написания работы ее купил американец Джулиан Леви, уверяя Дали, что «Постоянство памяти» не принесет коммерческого успеха и будет просто висеть у него дома.
Почитайте другие материалы об искусстве на Losko. Например, нашу подборку о сюрреализме в живописи, или о самом дорогом художнике современности Дэвиде Хокни.
Следите за нами в социальных сетях, чтобы не пропускать новые материалы: Вконтакте, Facebook, Telegram — @loskomagazine, Instagram. Eсли вы цените свой и чужой труд, то всегда можете поддержать нас финансово на Boosty.
PRO аккаунты для художников
Продажи через магазин в Facebook и Instagram
Управление клиентами и продажами через CRM
Почтовые рассылки произведений
Продажа репродукций и цифровых версий
Подробнее
PRO аккаунты для художников
Продажи через магазин в Facebook и Instagram
Управление клиентами и продажами через CRM
Почтовые рассылки произведений
Продажа репродукций и цифровых версий
Подробнее
Знания • 21 декабря 2021 • Автор: Наталья Кандаурова
В двадцатке самых известных картин, написанных русскими художниками, оказались две картины Врубеля и две картины Шишкина (но нет мишек!), и ни одной работы… Впрочем, давайте без спойлеров. Скажем только, что вы удивитесь. И, может, даже возмутитесь.
Напомним, как формировался список. В соцсетях Артхива мы предложили нашим подписчикам сначала составить длинный список картин-номинантов, потом собрали их в один альбом (получилось 121 произведение) — и пригласили проголосовать с помощью лайков. Заранее договорились, что паспортного контроля для художников нет: в длинный список для голосования будут включены все предложенные картины, даже если их авторы не являются русскими по национальности или месту рождения. При этом пообещали, что в комментариях к картинам, которые по результатам читательского голосования попадут в первую двадцатку известнейших произведений русских художников, особо отметим тех художников, которые одновременно принадлежат к разным культурам.
В ТОП-20 самых известных картин русских живописцев попали работы 18 авторов, только двое из них — женщины. Самый ранний шедевр создан в первой четверти XV века, самый поздний — в середине ХХ. В списке — один Пушкин и две картины, вдохновлённые Лермонтовым.
15 из 20 картин списка — из собрания Третьяковской галереи, четыре из Русского музея и одна — из Киевской картинной галереи.
Представляем список в порядке убывания набранных голосов. Кликнув на название произведения под изображением, вы окажетесь на странице картины: большинство произведений уже снабжены редакционными описаниями.
1. Михаил Врубель. Демон сидящий
На парижском Осеннем салоне 1906 года Сергей Дягилев «давал» русское изобразительное искусство: около 700 произведений и целый зал с работами Врубеля. Художник Сергей Судейкин, который был на той выставке, позже вспоминал: «В зале Врубеля, где никого не было, я и Ларионов неизменно встречали коренастого человечка, похожего на молодого Серова, который часами простаивал над вещами Врубеля. Это был Пикассо. Ларионов и я, мы оба можем констатировать, что все основы кубизма, конструктивизма и сюрреализма были начаты и обоснованы Врубелем. И несмотря на наше уважение к Пикассо, началом начал современной живописи был Врубель».
Может, Судейкин и преувеличивает. Или обознался. И, конечно, у кубизма Пикассо множество других, подтверждённых источников вдохновения. Но всё-таки, всё-таки. «Авиньонских девиц», с которых отсчитывают историю кубизма, Пикассо закончил в 1907-м. И диковинные, похожие на кристаллы цветы, окружающие врубелевского демона, так соблазнительно считать предтечей кубизма.
Что же касается источников вдохновения Врубеля, первым импульсом к поиску собственного образа демона было знакомство с поэмой Лермонтова «Демон».
В своей речи на похоронах Врубеля Александр Блок сказал: «Врубель пришел с лицом безумным, но блаженным. Он — вестник; весть его о том, что в сине-лиловую мировую ночь вкраплено золото древнего вечера. Демон его и Демон Лермонтова — символы наших времен». Наших с вами времён, выходит, тоже.
2. Алексей Саврасов. Грачи прилетели
Шедевр, любовь к которому не смогли ослабить ни плохие репродукции в календарях и учебниках, ни необходимость писать по этим репродукциями сочинения.
Давид Самойлов написал вот такое стихотворение — и буквально в двух словах объяснил, что же в этой картине такого.
Стояли они у картины:
Саврасов. «Грачи прилетели».
Там было простое, родное.
Никак уходить не хотели.
Случайно разговорились,
Поскольку случилась причина.
— Саврасов. «Грачи прилетели» —
Хорошая это картина…
3. Михаил Врубель. Царевна-Лебедь
Эту картину Врубель писал параллельно с работой над оформлением оперы Николая Римского-Корсакова по мотивам сказки Пушкина «Сказка о Царе Салтане», партию царевны в постановке исполняла жена художника Надежда Забела-Врубель.
Однако эту картину нельзя считать ни иллюстрацией к Пушкину, ни репортажем из оперы, ни портретом певицы. Это самостоятельный образ Врубеля, в очередной раз обратившегося к своей излюбленной теме границы между мирами, состояниями, явью и сказкой.
4. Архип Куинджи. Лунная ночь на Днепре
Архип Куинджи понимал, что создал шедевр. Он устроил для «Лунной ночи» выставку одной картины — и вызвал ажиотаж. Когда великий князь Константин Константинович, внук Николая I, пришёл в мастерскую посмотреть ещё неоконченную картину и спросил: «Вы продаёте или только показываете?» — Куинджи, который будто бы князя не узнал, ответил: «Ведь всё равно не купите: она дорогая».
Разумеется, князь поспешил выложить 5 тыс. рублей. И записал в дневнике свои впечатления от встречи с картиной: «Я как бы замер на месте. Я видел перед собой изображение широкой реки; полный месяц освещает её на далёкое расстояние, вёрст на тридцать. Я испытывал такое ощущение, выходя на возвышенный холм, откуда видна величественная река, освещённая луной. Захватывает дух, не можешь оторваться от ослепляющей, волшебной картины, душа тоскует».
«Лунная ночь», на которую стояли очереди и которая принадлежала князю, сейчас в собрании Русского музея. Но Куинджи исполнил несколько вариантов-повторений. Одно из них находится в Третьяковской галерее.
Куинджи родился на территории современной Украины, многие его картины изображают Днепр и его берега, а при взгляде на «Лунную ночь на Днепре» многие вспоминают произведения Гоголя.
5. Иван Крамской. Неизвестная
Эту картину нередко называют неправильно — «Незнакомка», связывая её с одноимённым стихотворением Блока, написанным гораздо позже. И эта ошибка, существование народного названия — лишнее доказательство любви: так для самых близких и дорогих людей мы изобретаем домашние прозвища.
Причина буквально всенародной любви к этому произведению Крамского кроется не только в виртуозном исполнении полотна, но и в неразрешимой загадке: художник не оставил для нас правильного ответа, поскольку создавал не портрет, а создавал тип, но мы продолжаем искать, хотя бы знакомые черты (и, конечно, не можем не заметить, что кое-что художник списал со своей дочери).
Мы рассмотрели только первую четверть списка, а уже очевидно, насколько крепко связаны с литературой и русская живопись, и её восприятие зрителями. Дальше увидим ещё ряд таких примеров.
6. Андрей Рублёв. Троица
«Есть Троица Рублева, следовательно, есть Бог», — написал Павел Флоренский в своей книге «Иконостас», имея в виду, что иконы, подобные этой, позволяют человеку увидеть не мастерство живописца, а «полно-реальное бытие самих ликов». «Он прозрел утро в самый тёмный час ночи», — сказал об Рублёве Андрей Тарковский, который обращался к «Троице» не только в фильме «Андрей Рублёв».
7. Зинаида Серебрякова. За туалетом.
После революции Зинаиде Серебряковой и её детям придётся несладко, но это потом. А пока — она ничего этого не знает и не ждёт. А наслаждается молодостью, красотой, счастьем, проводя зиму в имении Нескучное (это на территории современной Харьковской области, Украина). Свечи, булавки, ароматические зелья, зеркало — всего этого хватило бы для создания образа ведьмы (пусть даже молодой и очаровательной), но у Серебряковой нет и намёка на мистику и мрак.
8. Иван Айвазовский. Девятый вал
Картина размером более трёх метров в ширину была создана всего за 11 дней. Писал её Айвазовский в своей мастерской в Феодосии (Ованнес Айвазян родился и предпочитал жить в Крыму, был армянин по национальности, изменил имя и фамилию — и стал великим русским художником).
Работая над полотном, художник полагался на память и зарисовки. Поклонники реализма выискивали ошибки у Айвазовского: мол, посреди моря у него волны такие, какие могут быть только у берега, и колорит неправдободобный. Фокус в том, что перед нами не реализм, а шедевр романтической живописи.
9. Валентин Серов. Девочка с персиками
«У меня совершенный дурман в голове, но я уверен, что все, что делалось воображением и рукой художника, — все, все делалось почти в пьяном настроении, оттого они и хороши, эти мастера XVI века, Ренессанса. Легко им жилось, беззаботно. Я хочу таким быть, беззаботным; в нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу отрадного и буду писать только отрадное», — писал молодой Серов своей будущей жене из Венеции. Вернулся — и написал «Девочку с персиками».
10. Василий Поленов. Московский дворик
Петербуржец Василий Поленов приехал в Москву по делу: писать этюды в Кремле, для картины из жизни допетровской России. Снял квартиру — тёмную и мрачную. Хотел даже отказаться от неё, но выглянул в окно. И остался. Вид из окна открывался такой, что Тургенев даже лечил им свою тоску по родине: для жившего во Франции писателя Поленов написал вариант своей самой знаменитой картины.
11. Кузьма Петров-Водкин. Купание красного коня
Русская , живопись итальянского Возрождения, приёмы модернистов — всё смешалось в этом очистительном хороводе. Художник не имел намерения предсказывать или предостерегать с помощью этой картины и вообще в процессе её создания был больше озабочен поисками формы, а не смыслов. Но получилась какая-то колода Таро, состоящая из одной карты: в какой момент истории на неё не взгляни — сразу возникает в голове подходящее толкование.
12. Марк Шагал. Над городом
Марк Шагал — как раз из художников, принадлежащих сразу нескольким культурам: своим его назовут и в Беларуси, и в России, и во Франции, и в США, и в Израиле.
Кроме того, в этом списке Шагал, пожалуй, самый известный за пределами русскоязычного мира художник. Простое подтверждение — кадр из фильма шведского режиссёра Роя Андерссона «О бесконечности» (2019), в котором оживает картина «Над городом» (а другая картина Шагала сыграла заметную роль в популярной романтической комедии «Ноттинг Хилл»).
Кадр из фильма «О бесконечности» (Om det oändliga, 2019, реж. Рой Андерссон).
На картине «Над городом» Шагал вместе со своей возлюбленной Беллой Розенфельд парит над Витебском. Скоро обстоятельства заставят художника покинуть родной город, чтобы осваивать новые города и страны, становиться в них своим. Ему предстоит потерять Беллу и прожить много лет без неё. Но пока счастье — больше города, сильнее законов физики.
13. Василий Верещагин. Апофеоз войны
Картина, которая, к сожалению, никогда не перестанет быть актуальной. Как и предполагал художник, написавший на раме: «Посвящается всем великим завоевателям — прошедшим, настоящим и будущим».
14. Орест Кипренский. А.С. Пушкина
, благодаря которому Пушкин для нас навсегда 27-летний. Пушкин относился к своей внешности одновременно самокритично и кокетливо, но портрет ему понравился, о чём он уведомил Кипренского с помощью стихотворного послания:
…Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит.
Есть и другое мнение. «Поэт умер и оставил нас без портрета. Кипренский изобразил его каким-то денди, а не поэтом», — пишет Тарас Шевченко в документальной повести «Художник», фиксируя то ли собственное мнение, то ли мнение Карла Брюллова. В любом случае, высказывание требует уточнений. Во-первых, кроме портрета Кипренского, есть еще кисти Тропинина. Во-вторых, денди — не какой-то, а сам лорд Байрон, на которого Кипренский с Пушкиным явно и не без удовольствия намекают.
15. Владимир Боровиковский. Марии Лопухиной
И снова не обойдёмся без стихов! Впечатления от этого портрета зарифмовал Яков Полонский — и они уже давно воспринимаются как необходимое обрамление для картины:
Она давно прошла, и нет уже тех глаз
И той улыбки нет, что молча выражали
Страданье — тень любви, и мысли — тень печали,
Но красоту её Боровиковский спас.
Отметим также, что Владимир Боровиковский родился в Миргороде — это Полтавская область современной Украины.
16. Иван Шишкин. «На севере диком…»
Название картины — из первой строки стихотворения Михаила Лермонтова (которое является вольным переводом стихотворения Генриха Гейне):
На севере диком стоит одиноко
На голой вершине сосна,
И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим
Одета, как ризой, она.
И снится ей все, что в пустыне далекой,
В том крае, где солнца восход,
Одна и грустна на утесе горючем
Прекрасная пальма растет.
Кстати, вариант иллюстрации к стихотворению есть и у самого Лермонтова (который пробовал себя в живописи и рисовании) — в походном дневнике, на странице с одной из версий перевода. «Я убежден, что если бы Лермонтов увидел картину Шишкина, он был бы счастлив», — сказал о живописной иллюстрации художник Витольд Бялыницкий-Бируля. Шишкин решил написать по мотивам стихотворения полотно после того, как поучаствовал в создании рисунков для собрания сочинений Лермонтова.
Любопытные нюансы о создании картины находим в воспоминаниях Александры Комаровой, племянницы Шишкина: «Для зимних картин этого года Иван Иванович несколько раз ездил в Мери-Хови наблюдать снег и зиму, и Вишняков снимал там для него фотографии; там были написаны „Морозный день“, „На севере диком“ (к которой даже Куинджи приложил руку — маленькой кисточкой с кадмием посадил точку — огонек вдалеке)».
Премьера картины состоялась в 1891 году, на XIX передвижной выставке. Она входит в собрание Киевской картинной галереи (в Третьяковке хранится чёрно-белый эскиз 1890 года).
17. Иван Шишкин. Рожь
И снова Шишкин. И снова сосны: теперь летние, напоминающие вышедших в поле богатырей. На одном из подготовительных набросков Шишкин записал «ключевики», объясняющие содержание картины: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство».
18. Натан Альтман. Анны Ахматовой
Сейчас принято разоблачать и опровергать миф о «самой читающей стране». Но что прикажете делать с результатами нашего голосования-опроса? У нас всего 20 картин в списке, многие из них порождены литературными произведениями или стали предметом для создания новых. Плюс к этому, в галерее самых знаменитых полотен русских художников уже второй поэт!
Анна Ахматова прославилась рано, жила долго, всегда была окружена талантливыми в разных видах искусства поклонниками — неудивительно, что в результате мы имеем большое количество её портретов. И часто эти портреты исполнены знаменитостями — Ахматову запечатлели Амедео Модильяни, Кузьма Петров-Водкин, Алексей Баталов (знаменитый актёр был близко знаком и с Анной Андревной, и с ремеслом художника). Но самый известный Ахматовой написал, пожалуй, Натан Альтман. И этот портрет — самая известная его работа.
19. Татьяна Яблонская. Утро
Татьяна Яблонская — украинская художница. Она даже художественное образование получила в Киеве и прожила там большую часть жизни. Но родилась — в Смоленске. А картина «Утро», на которой изображены старшая дочь художницы и их киевская квартира, хранится в Третьяковской галерее.
20. Борис Кустодиев. Купчиха за чаем
В 1918-м, когда Кустодиев пишет эту картину, неспешная и беззаботная купеческая жизнь осталась уже только в воспоминаниях художника, если она вообще когда-нибудь была реальностью, а не мечтой. Вокруг — последствия революции, а Кустодиев пишет картину о том, как важно, выражаясь нашим языком, быть в моменте, уметь замедлиться. Шутки шутками, но это и правда важно. Особенно когда вокруг неразбериха и обстоятельства не велят «рассиживаться».
Да, в ТОП-20 самых знаменитых картин русских художников не оказалось ни одного полотна Исаака Левитана. И, кажется, мы знаем причину. Левитан был рекордсменом по числу номинированных работ: в длинный список для голосования попали 10 его картин. Похоже, поклонники художника, стремясь вспомнить побольше его произведений, сделали то, для чего на выборах нанимают политтехнологов-вредителей: для выбора были предложены равноценные кандидаты, голоса «размазались» между ними — в итоге победителем ни стал ни один из них.
Мы не можем допустить, чтобы материал о шедеврах русского искусства остался без Левитана. Поэтому дополняем двадцатку ещё десятью картинами (по результатам голосования они заняли места с 21-го по 30-е, представлены в порядке убывания голосов):
Итак, «Золотая осень» Левитана не попала даже в тридцатку самых известных картин русских художников. Здесь также нет «Алёнушки» или «Богатырей» Васнецова, нет «Охотников на привале» Перова. Возможно, дело в том, что эти произведения слишком известны и… не то чтобы надоели, но рука поставить лайк не тянется?
Не набрал достаточного количества голосов и «Чёрный квадрат» Казимира Малевича, который, вероятно, является самым известным произведением русского изобразительного искусства в мире. Да, мы предложили выбирать не лучшие и самые любимые, а самые популярные, известные картины, но критерий «нравится — не нравится лично мне» невозможно отменить. Кажется, у «Чёрного квадрата» не было шансов получить объективную оценку.
При составлении подобных списков возгласы «А это забыли посчитать!» неизбежны. Недавно был составлен список 100 важнейших шедевров голландского и фламандского искусства. Разработали критерии, опросили одновременно музейщиков и общественность. В результате в сотне не оказалось «Девушки с жемчужиной» Вермеера.
Нам кажется, невозможность составить идеальный список — не повод отказываться от попыток. Ведь сам процесс увлекателен. А результаты если и не способны дать окончательный и самый точный ответ, дают пищу для размышлений. Мы предлагаем продолжить размышлять.
Составьте свою двадцатку самых известных картин русских художников в виде подборки в Артхиве (как делать подборки, написано здесь), напишите пару слов о вашем подходе к отбору и оставьте ссылку на подборку в комментариях к этому тексту.
Самые интересные мы опубликуем в соцсетях Артхива.